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Portfolio
Sobre mi
¿Acabará debajo de un puente?, ¿se lo construirá ella misma?
Arquitecta enamorada del mundo creativo deja atrás seis años de carrera para tratar de hacerse un hueco en el mundo del arte y el diseño.
Tras seis intensos años estudiando la que es considerada una de las carreras universitarias más complejas, obteniendo resultados deseados por muchos tuve el coraje de decir en voz alta, quizás demasiado alta, "¡No quiero ser arquitecta!", y ver la cara de susto de mis padres.

Es uno de esos momentos para los que no te preparan en ningún sitio, ni en el colegio, ni las tardes con tus amigos, ni si quiera las galletas de la suerte parecen tener la respuesta. ¿Cómo les explicas a tus padres que tras acabar los estudios de arquitectura, de los que se sienten excepcionalmente orgullosos, quieres dejarlo todo de lado para tratar de hacerte un hueco en lo que ellos consideran te dejará viviendo debajo de un puente? - ser diseñadora, con suerte, dentro del mundo del arte.

Para bien o para mal esta es mi historia, y este es mi portfolio, el cual, con suerte, te convencerá de que tomé la decisión adecuada.
Habilidades
Nivel alto
InDesign
Nivel medio
InDesign
Nivel bajo
Contacto
Correo:
Si eres más vintage y quieres contactarme por teléfono, estos son mis números de los últimos años:

- Canadá: +1 905 320 8601
- Inglaterra: +44 7517 356379
- Ecuador: +593 95 894 9345
- Dinamarca: +45 99 55 87 35

Y el que uso a diario:

- España:

Y por si estas interesado









Fdo. Uxía Martínez Pérez
Editorial
MoMA
Panfleto diseñado para una hipotética exposición de Larry Clark para el MoMA, en la que se transmite las intenciones del artista de una forma sencilla y a la vez atractiva que resalta las características oscuras de la fotografía hiper-americana.
Creative direction
Levi's & Amy Isles Freeman
Visión de una hipotética experiencia colaborativa entre Levi's y la artista Amy Isles Freeman.

Levis tiene muchhos antecedentes de colaboraciones con marcas y artistas. En este caso, se plantea la colaboración de la marca con una artista emergente que ayude a esta a darse a conocer.
Creative direction
GucciFest
La innovación dentro de la creación de campañas y estrategias de comunicación de marca son cada vex de mayor importancia. A menudo nos encontramos con enormes cantidades de campañas publicitarias en las redes sociales o en internet. Sin embargo, el mundo físico que nos rodea sigue existiendo y nos ofrece la posibilidad de crear campañas creativas novedosas que lleguen a nuestra audiencia.

Este poster/mural es mi visión de campaña para GucciFest.
Creative direction
Re-diseño de la campaña de Burberry 2014 basada en Billy Elliot
Esta propuesta es una recreación de la campaña navideña realizada por Burberry en 2014 centrada en la película y figura de Billie Elliot y conseguir que esta sea relevante a día de hoy. Por ello, se ha planteado su rediseño para Instagram y Tik Tok.

La historia de Billie Elliot es la de un niño que sigue sus sueños, que lucha por aquello en lo que cree y lo hace a través del baile y el amor. A día de hoy, como le ocurre a Billie en la película, mucha gente a perdido seres queridos, y a pesar de ello, deben seguir luchando. La navidad es una época del año muy complicada cuando echas de menos a alguien que ya no se encuentra a tu lado. Por ese motivo, y manteniendo el eslogan de la campaña "con amor", he creado una web en la que personas de todo el mundo puedan compartir sus historias a través de texto y baile, para apoyar a todos aquellos que lo necesitan.

Cada vez que una persona entra en la web tiene la oportunnidad de hacer un video que se publicarán en las redes sociales de Burberry, y que se compartirá con el mundo entero.

Esta es la web: https://uxiart.com/b2ws
Creative direction
Product photography
Fotografía experimental de producto.

Se ha jugado con las luces y el escenario para crear un entorno surrealista que sea capaz de transmitirse a través de la fotografía sin necesidad de retoques fotográficos.
Editorial
Antonio Villaseca
Portfolio fotográfico del artista Antonio Villaseca.

El proyecto incluye un libro físico con las obra del artista así como un una innovadora página web que emerge al usuario en la obra del artista.

El link a la web es el siguiente: https://uxiart.com/villaseca
Editorial
Dirección creativa
Proyecto editorial experimental.

La revista está dedicada a la dirección creativa de marca. En un juego de tipografías y colores utilizados de forma innovadora. La finalidad del proyecto es la de embaucar al lector desde un punto de vista creativo.
Editorial
Ted Baker poster
Actualmente cicimos en un mundo en el que apenas nos podemos tocar unos a otros hasta el punto de ser peligroso estar en una habitación con otras personas.

Esta situación nos lleva a un momento de inflexión. Estamos acostumbrados a ver fotografías de modelos en fantásticos ecenarios y con presiosas prendas de ropa, sin embargo, existen muchas otras formas de crear imágenes innovadoras. Mediante la técnica del collage, los recortes y con creatividad podemos seguir creando posters como este que llamen la atención del consumidor adaptándonos a nuestra nueva realidad.
Editorial
Paper Moons
Vivimos en un mundo cada vez más digitalizado. Nos pasamos los dias en frente de pantallas y dispositivos electrónicos.

Esta campaña trata de recordarnos la belleza del papel, de las cartas escritas a mano, las texturas, los olores y su envejecimiento con el paso del tiempo.

Este poster está inspirado por el poema de Akira Chinen's "Paper Moons"
Fotografía
Knolling
Fotografía experimental tratada mediante la práctica del knolling. La fotografía se ha realizado con las diferentes partes de una impresora.
Fotografía
Vasos
Fotografía de producto centrada en el color y la simetría.
Fotografía
Ilustraciones de moda
El proyecto está centrado en la creación de un pequeño portfolio de ilustraciones centradas en el mundo del diseño de moda.
Editorial
Golsa Golchini
El proyecto se centra en la divulgación del trabajo de la artista, de carácter experimental, se proponen soluciones llamativas tanto en su formato físico y web, haciendo referencia al cartón en el que realiza sus obras, como en los medios digitales.
Editorial
Casa de México
Proyecto editorial de marca que se genera tras la apertura de una nueva institución cultural, Casa de México. El proyecto auna las complejidades de crear una identidad de marca desde cero y darle coherencia edito- rial a sus publicaciones, exposiciones de larga y corta duración, así como actividades educativas.
Editorial
Gaza
The One and The Many fue una exposición de arte realizada por UNOPS en Gaza. El trabajo consistió en la creación de un catálogo para la misma que pudiera ser distribuido durante la exhibición. El mayor reto de este proyecto fue crear un catálogo que coexistiera tanto en inglés como en árabe, generando la misma experiencia de usuario independientemente del idioma.

Web de la exposición AQUI
Editorial
Lowe Home
Lowe Home es una revista de carácter experimental que trata contenidos relacionados con la arquitectura, el arte y el interiorismo.

Sus reportajes se configuran diferenciando de manera estricta textos e imágenes, que jamás están en un mismo pliego. Así mismo los diferentes artículos destacan la importancia de sus contenidos según estos sean parte de las páginas principales, de mayor tamaño, o las secundarias, más estrechas, colocadas en el interior.
Editorial
Conde Nast
Proyecto editorial experimental.

Se propone la creación de una revista centrada en la elaboración de contenidos digitales. La mezcla de imágenes, tipografía y maquetación hacen de la misma un proyecto totalmente novedoso e innovador en el que el cada página es distinta a la anterior y el usuario nunca sabe que va a encontrarse. Con todo ello se pretende embaucar al lector para que siga leyendo la revista, para que continue pasando páginas empapándose de todo el contenido y diseño de la misma.
Editorial
Ben Slow
El proyecto muestra la maquetación física de la obra de Ben Slow. Teniendo en consideración el gran tamaño de las obras del artista en la calle, el color negro predominante en la mayoría de ellas y su relación con el espacio y el público.

La creación de este periódico es una perfecta metáfora entre la obra de Ben Slow y el mundo editorial.
Editorial
R-te
Manual de marca para una entidad editorial.

R-te es una nueva editorial centrada en la publicación de artistas emergentes. La finalidad de su identidad es la de ser facilmente reconocile respetando en todo momento la obra de sus respectivos artistas y poniendo en ellos en foco de la atención en todos sus diseños.
Editorial
Kanye West
Esta portada se ha creado como parte de un proyecto de experimentación en relación con la revista "Wallpaper".

La edición trata la bipolaridad del artista Kanye West, y está claramente influenciada por el trabajo del diseñador David Carson.

El diseño transmite lo inestable y caótico que puede llegar a resultar este trastorno y hace uso del símbolo más icónico del mismo, el icono feliz/triste, el cual se encuentra rodeado de parte del texto del album "Ye" de Kanye West (2018).
Web
KoolWool
Proyecto diseñado para una revista digital de ropa infantil. Las diferentes pantallas se han diseñado pensando en los usuarios de la misma, padres jóvenes que en sus ratos libres o de camino al trabajo puedan ojear la web en su teléfono e incluso tener la posibilidad de comprar conjuntos para sus hijos a través de la propia web, tratando así de agilizar el proceso e innovar dentro de la industria editorial digital.
Web
Block Shop Textiles
Esta campaña digital de Block Shop Textiles pretende generar un contenido viral alrededor de su nueva colección.

Para ello se plantea la creación de un video para Redes Sociales que anime al consumidor a crear su propio contenido de redes danzando de forma similar a los bailarines al son de "Water Walk", del compositor John Cage.
Web
Conde Nast
Aprovechando el gran éxito que tuvo el "Non-Issue" issue de British Vogue en 2019. Esta campaña de redes sociales presenta el Beauty Weekend 2021 de Conde Nast College.

El evento reunirá a grandes figuras del mundo de la moda y la belleza de diferentes generaciones y busca generar conversaciones entre ellos entendiendo así como ha ido cambiando la industria en los últimos tiempos.
Fotografía
Presencia ausente
Yo estoy ausente, pero en el fondo de esta ausencia Hay la espera de mí mismo.
Y esta espera es otro modo de presencia.
La espera de mi retorno.
Yo estoy en otros objetos.

- Vicente Huidobro
Fotografía
Palomitas

Juego fotográfico y visual en el que unas palomitas se convierten en un ramo de flores.
Fotografía
Bodegón
Nueva perspectiva de la fotografía de producto alimenticio mediante un nuevo punto de vista lleno de color.
Fotografía
Valentine's fashion
Este video esta pensado a modo de campaña publicitaria para un evento online de moda por el día de San Valentín.

Su estética atrae al posible usuario y sus gráficos diferentes y coloridos consiguen que este tenga interés en el evento.
Fotografía
Organic Beauty
Videos publicitarios para una campaña de cremas de manos veganas en tonos cítricos y anaranjados.
Irma Boom

"Comparo mi trabajo con la arquitectura. No construyo casas, construyo viviendas sociales. Los libros son creados de forma industrial y deben ser muy buenos porque en una edición limitada puedes hacer lo que quieras pero una tirada industrial es compleja. Pero no es arte. Nunca, nunca, nunca."

Irma Boom nació el 15 de Diciembre de 1960 en Lochem, Países Bajos.

Estando en tercero de carrera, poco antes de graduarse de la escuela de diseño en 1980, Irma Boom ya era una estudiante con grandes motivaciones en busca de una beca de trabajo que le aportase conocimientos y le diera experiencia. En aquel entonces, una enamorada de la tipografía suiza, aplicó al Total Design en Amsterdam, donde Wim Crourel era director, sin embargo, fue rechazada por usar demasiadas tipografías en sus trabajos en un estudio donde se entendía la Helvética como la única tipografía posible.

Tras esta primera mala experiencia, un profesor de la Arkez Academy for Art and Design a la que asistía, le recomendó que se uniera al departamento de diseño de Staatsdrukkerij, una oficina estatal de impresión y publicidad. Aunque al principio la idea de unirse a la misma le resultaba aburrida y se sentía desganada al respecto, resultó ser el mejor lugar para Irma Boom. En las oficinas del Staatdrukkerij trabajaría con 30 diseñadores y se cualificaría en los campos de creación de libros e identidades corporativas. Tras acabar su beca, trabajó por tres meses en el Studio Dumbar, un estudio especializado en la estética avantgardé, donde descubrió que el diseño gráfico podía ser algo divertido.

Desde 1920 la PTT, la Compañía estatal de Mensajería y Telecomunicaciones, específicamente su Departamento de Arte y Diseño, había realizado comisiones con artistas, arquitectos y diseñadores para llevar a cabo sus servicios y productos. Irma Boom estaría de vuelta en la misma, en la Staatdrukkerij, como trabajadora tras acabar sus estudios y su paso por ella la enmarcaría en un contexto de gran libertad creativa, en los años de pleno apogeo de la publicación editorial. Ella misma cuenta como si realizabas una portada para un libro te incentivaban a usar nuevas técnicas de mercado. El departamento era un trampolín para jóvenes diseñadores y terminaría trabajando en el durante cinco años y medio.

Realizó los encargos que nadie quería, como anuncios para el departamento de publicidad o trabajos internos que solo eran vistos por Oxenaar, sin embargo, estos fueron para Irma Boom la oportunidad de experimentar y le abrieron últimamente las puertas a realizar uno de sus trabajos más prestigiosos, the Annual Dutch postage stamp book. Fue tras este encargo cuando la diseñadora fue consciente por primera vez de la existencia de una audiencia y de la opinión del mundo exterior. Los libros de sellos serían altamente rechazados por coleccionistas y diseñadores, aunque también obtendrían publicidad positiva. Fueron el proyecto que daría a conocer a Irma Boom.

Los libros de sellos de Boom polarizarían la comunidad de diseño. Ganaría, gracias a ellos, grandes premios, entre ellos, su primer Best Book Award, en el que el jurado denominaría sus libros como "un fallo brillante". Esta experiencia le demostraría que la publicidad negativa tiene un gran impacto, en ocasiones, mayor que la publicidad positiva.

Tras esta etapa de su vida, Irma Boom se mudaría a Nueva York donde mostraría su trabajo a sus coetáneos norteamericanos, quienes no eran capaces de concebir su ideología del diseño. En una sociedad regida por el marketing no comprendían como los libros de Boom podían no tener imágenes en la porta- da, un problema inexistente en los Países Bajos, donde existía una mayor libertad creativa. Esta diferencia de visiones dentro de mundo del diseño serían finalmente las que llevarían a Boom de vuelta a los Países Bajos.

En sus trabajos, Irma Boom se caracteriza por presentaciones escuetas, donde no menciona en ningún momento los detalles de las maquetaciones de los libros, sino que vende un concepto, una abstracción que comparte con sus clientes y con quienes llega a un pensamiento compartido, un proceso al que denomina "The Argument".

Este procedimiento le lleva a formar parte tanto del diseño como del contenido de sus libros, sin embargo, nunca se refiere a su trabajo como un proceso editorial dado que lo considera pretencioso al no ser ella la escritora de los mismos. Boom considera su manera de enfocar el diseño editorial como la más natural a la hora de realizar un libro, definiendo la estructura del mismo, hablando con los escritores y editando las imágenes. Su obra se caracteriza por la realización de pequeños modelos de sus libros que le ayudan a ver la estructura de los mismos y que en su opinión llegan a resultarle más entretenidos que la realización del propio libro, un proceso que conlleva un resultado final en el que se puede sentir el sello de Irma Boom.

Dentro de sus trabajos más destacados hay que mencionar su libro Irma Boom: The Architecture of the Book. Un compendio de la carrera de Boom con una introducción realizada por el famoso arquitecto Rem Koolhaas y textos escritos por Mathieu Lommen. Esta edición de 41,4 x 54 mm tiene una versión de mayores dimensiones y contenido idéntico, su versión XXL que mide 345 x 455 mm y pesa 7,5 kg. Todos los tomos son de tapa blanda con bordes coloreados y vienen en el interior de una caja de las dimensiones de un libro convencional.

Su trabajo por excelencia es, sin embargo, fue el libro diseñado para el Yale University Press en 2006, en el que Boom trata el trabajo de Sheila Hicks. El libro, llamado Sheila Hicks: Weaving as a Metaphor es un icono de su diseño editorial. Los bordes de las páginas del mismo han sido cortadas con un sierra circular que evoca los bordes deshilachados del trabajo textil de la artista.

Durante toda su carrera Irma Boom ha realizado más de 250 libros, 50 de los cuales pertenecen a la colección permanente del MoMA. El mismo museo le ha pedido a Boom parte de su colección de miniaturas, la cual, sin embargo, guarda con gran ape- go. Irma Boom ve a sus libros como objetos que comunican ideas e historias, que estimulan todos los sentidos.

Para dar mi opinión he de explicar mi motivación por el estudio de esta artista. La figura de Irma Boom apareció para mí a partir de la lección de esta semana de Historia del Diseño. El primer motivo por el que decidí estudiar a esta diseñadora fue su género. Durante estas cuatro semanas he intentado en todo momento realizar trabajos sobre figuras femeninas ya que considero que estas no han tenido la valoración que se merecen a lo largo de la historia. En segundo lugar, los comentarios realizados sobre Boom durante la sesión, así como los vídeos que se proporcionaban sobre la diseñadora apelaron a mi conocimiento en diseño editorial y de publicaciones, haciéndome sentir una curiosidad singular por su trabajo.

En referencia a sus primeros años de carrera considero destacable el rechazo de su candidatura por parte del Total Design en Amsterdam y su unión, por descarte, a la Staatsdrukkerij. Hoy en día nos encontramos en una eta- pa en la que tener estudios de máster y saber idiomas han pasado de asegurarte un trabajo, a convertirte en uno más del montón. La falta de experiencia profesional de la juventud recién licenciada se enfrenta con una multitud de profesionales con años trabajados que ,por desgracia, se encuentran desempleados hasta lograr conseguir pues- tos que años atrás darían pie a la carrera de jóvenes con grandes motivaciones. Esto genera un bucle inevitable en el que uno no obtiene un puesto de trabajo por falta de experiencia, y carece de experiencia por falta de trabajo. Considero que, en el contexto en el que nos encontramos, hemos de aprender de Boom, pidiendo consejo a profesores y profesionales y confiando en que nos guíen hacia posibles oportunidades.

Así mismo, y a pesar de la opinión de la propia Irma Boom, me parece que su interpretación del libro como objeto que trata de aunar todos los sentidos y su extenso análisis del continente y contenido genera verdaderas obras de arte.

Su intencionada participación en el proceso editorial de sus libros, la creación de miniaturas que le ayudan a analizar con todo detalle la estructura de los mismos y su elevado interés por conocer en profundidad cada materia a tratar demuestran como la pasión y la dedicación en el trabajo conducen a lograr resultados admirables. Como ella misma declara "un encargo es en lo que tu lo conviertas y el esfuerzo que quieras poner en el trabajo".

Creo que la figura de Irma Boom debe de servirnos como inspiración a la juventud desorientada de la sociedad actual. Que debemos de tratar de sacar lo mejor de nosotros mismos en cada trabajo, en cada proyecto que realicemos, que aunque no consigamos el puesto que íbamos buscando, es quizás en el
sitio más inhóspito donde encontramos la posibilidad de crecer como personas y como profesionales y que si ponemos todo nuestro empeño en ello conseguiremos aquello que nos propongamos.
Barbara Stauffacher Solomon

"Rompí todas las normas"
Barbara Stauffacher Solomon nació en San Francisco en 1929.

A la edad de 14 años, estando ya en el instituto, realizó una serie de dibujos de gran formato en carboncillo que le abrirían las puertas a la Escuela de Bellas Artes de San Francisco donde le ofrecerían una beca completa. Durante esta primera etapa de su vida se pasaría los días yendo del instituto a la academia de artes, y de esta a la Escuela Pública de Ballet de San Francisco, donde aprendería danza.

En 1945, dadas las bajas posibilidades de tener un salario como pintora en aquel momento histórico, trabajaría como bailarina en clubs, lo que sería su profesión en aquel momento, y que le llevaría a conocer a su futuro marido Frank Stauffacher con quien contraería matrimonio en Noviembre de 1948.

A lo largo del año 1949 Barbara Stauffacher pasaría sus días estudiando inglés, francés, historia y filosofía en la Universidad de California, y realizaría varios viajes a Francia y España. En Enero de 1952 nacería su hija Chloe en la capital londinense, entonces su lugar de residencia junto con su madre Lil y su marido Frank desde 1951. En la primavera de 1952, la familia se mudaría a Nueva York, donde Frank tendría que someterse a una cirugía. El otoño de ese mismo año, les conduciría de vuelta a Marina Bay, San Francisco.

Barbara y Frank Stauffacher llevaban casados seis años, cuando repentinamente este fallece a causa de un tumor cerebral en Julio de 1955, con tan solo 39 años de edad.

Entre 1955 y 1958, Barbara Stauffacher, a la que sus familiares y amigos más cercanos terminarían apodando como "Bobbie" se muda a Suiza con Lil y Chloe, donde estudiaría tipografía de la mano de Armin Hoffman, quien le conseguiría una plaza en la Kunstgewerbeschule bajo su tutela.

Durante su etapa en la Kunstgewerbeschule Bobbie estudiaría las reglas de la escuela Suiza, seguiría sus enseñanzas, aprendería a crear soluciones claras y concisas, y se formaría según las pautas de la misma.

Tras su paso por la Escuela de Suiza y su examen final en 1959, Bobbie se movería entre Basilea, Nueva York, Los Ángeles y San Francisco comenzando así su carrera como diseñadora mientras su hija Chloe se encuentra en un internado.

En enero de 1961 Bobbie se marcharía, por última vez, de su apartamento cerca del río Rin en Basilea y volvería a San Francisco. En 1962 abre su estudio que mantendría hasta 1972. Bobbie se aprovecharía su formación en la Kunstgewerbeschule y de sus conocimientos en Expresionismo Abstracto, que había adquirido antes de asistir a la misma de la mano de David Park para romper las reglas que había aprendido y generar su propio estilo.

En 1965 completaría la que está considerada como su obra más importante, el Sea Ranch, en un total de 3 días.

En esta misma época de su vida Bobbie realiza numerosos viajes a Berlín entre 1966 y 1968, así como a Suiza, donde se encuentra su hija.

En la publicación de Mayo de 1968 la revista Life publicaría "Los Supergraphics!" conforme el proyecto del Sea Ranch sigue generando boletines de prensa en gran cantidad de publicaciones como Progressive Architecture y Abitare.

En los años siguientes Bobbie desplazaría su carrera hacia el campo de la arquitectura, estudiando en Berkeley y leyendo textos de historia y filosofía. Se casaría de nuevo, tras más de 13 años como viuda, con Dan Solomon, con quién tendría otra hija, de nombre, Nellie.

Los ochenta volverían a traer a Bobbie a Europa donde realizaría un trabajo con Ricardo Bofill en Barcelona en1982 y ganaría el Prix de Rome en 1983.

Al final de la década de los ochenta su segundo matrimonio estaría casi acabado, la ciudad de San Francisco temblaría ante el terremoto Loma Prieta de 1989 y Bobbie escribiría su libro "Good Mourning California".

En 1990 su carrera como arquitecta paisajística le otorga grandes proyectos como el Vesey Green project entre 1994-1997 y The Embarcadero Promenade para la ciudad de San Francisco, que ganaría en 1996 con su propuesta "The Ribbon" y que se completaría años después tras numerosas complicaciones en el proyecto. En 2002 Stauffacher Solomon forma parte del San Francisco Art Commission, al mismo tiempo, trabaja en su "cómic académico para adultos" llamado Utopia Myopia, en su biografía Why? Why not? capturando el arte y el diseño de los años ochenta, y el libro que refleja su vida en aquellos momentos, Six Months at the Sheraton. Su formato de trabajo por excelencia es de 81/2" x 11", aproximadamente 1 x 0,27 metros, lo que le permite mostrar su trabajo como páginas de un libro o como posters, según le resulte oportuno. Su trabajo se exhibiría en el SFMOMA entre otros.

Uno de sus últimos trabajos realizando Supergraphics fueron los aseos del Marin Country Mart en 2013. Su cliente, James Rosenfield, era admirador de su trabajo en el Sea Ranch y quería capturar el particular estilo del norte de California.

Para dar mi opinión he de explicar mi motivación por el estudio de esta artista.

La figura de Barbara Stauffacher Solomon apareció para mí a través del libro Hall of femmes: Barbara Stauffacher Solomon. La colección Hall of Femmes es un proyecto personal llevado a cabo por dos diseñadoras, Samira Bouabana y Angela Tillman Sperandio, quienes quisieron dar a conocer la figura de la mujer dentro del mundo del diseño y la dirección de arte.

Para mí, este libro surgió como un faro de esperanza en un momento de total incertidumbre. Tras mis estudios en arquitectura, decidí estudiar historia del arte y conseguí de forma totalmente inesperada unas prácticas como diseñadora gráfica, cuando todavía no sabía lo que era una infografía o podía comprender la importancia de una tipografía como la Helvética a lo largo de la historia. A pesar de las reiteradas notas positivas hacia mi trabajo de diseño por parte de mis compañeros y superiores, sentía haber perdido seis años de mi vida estudiando una carrera que entonces consideraba totalmente ajena al mundo del diseño gráfico y al mismo tiempo ansiaba unos conocimientos gráficos que carecía por falta de estudios.

Barbara Stauffacher Solomon, con sus supergraphics me abrió una nueva perspectiva, se convirtió en una promesa, la de que el esfuerzo que había realizado hasta entonces no había sido en vano. En los supergraphics encontré la unión de diseño y arquitectura, y en la figura interdisciplinar de Bobbie me encontré a mi misma. Una artista que comenzó como bailarina, pintora, que estudió diseño en la Escuela de Suiza y terminó estudiando arquitectura en Berkeley. Una historia que, aunque se desenvolvía en el sentido contrario a la mía, me demostraba que la unión de todas las artes no solo era y es posible, sino que es un obsequio que enriquece tu conocimiento.

Así mismo, su historia, el hecho de que se quedara viuda a una edad tan temprana, en un momento histórico en el que el papel de la mujer todavía se centraba más en la figura de ama de casa y no el de trabajadora, y lograse romper con esas reglas preestablecidas de la sociedad atreviéndose a mudarse a otro continente para lograr unos estudios y mantener así a su familia en los años venideros abriendo su propio estudio me pareció valiente, inspirador, un ejemplo a seguir.

Puede que mi visión de Barbara Stauffacher Solomon no sea objetiva, dados los motivos anteriores, sin embargo, el hecho de que aparezca en una colección como la de Hall of Femmes me demuestra que a pesar de mi subjetividad, la figura de Bobbie es relevante en el estudio de la historia del diseño gráfico y que otras mujeres comparten la importancia que yo misma he encontrado en esta figura.

Me gustaría destacar una hazaña que la propia Barbara Stauffacher recalca en su entrevista para Hall of Femmes, y es que cuando le preguntan sobre su interdisciplinareidad como artista, al haber escrito libros como Utopia Myopia, haber estudiado diseño gráfico e incluso arquitectura, ella misma llegó a encontrarse en una encrucijada, en un abismo, cuando decidió aplicar para la baca del Prix de Rome. Bobbie explica que en aquel momento la interdisciplinareidad no estaba bien vista, y que cuando trataba de rellenar el formulario para la beca no sabía como definirse. El impreso te delimitaba como diseñador, artista, arquitecto o escritor, sin embargo, ella lo era todo. En la entrevista, la propia Bobbie admite que terminó marcando todas las casillas y que a pesar del revuelo que eso causó en el jurado, finalmente conseguiría el Prix de Rome.

Personalmente considero que incluso hoy en día ser un artista multidisplinar sigue siendo complicado. Vivimos en una sociedad que parece darle más importancia a la especialización que al conocimiento colectivo, cuando en mi opinión, este segundo, es mucho más enriquecedor.

Desde que la figura de Bobbie apareció en mi vida he continuado trabajando como diseñadora gráfica, he decido formarme en esta disciplina y he continuado paralelamente mis estudios en arte, tratando en todo momento de unir ambas materias con mis conocimientos en arquitectura, y buscando deliberadamente otros artistas y diseñadores de carácter multidisciplinar que poder tener como referencia, y que me inspiren en mi día a día.
Mary Bauermeister

"Sencillamente he seguido una motivación interna por expresar aquello que todavía no existe, ni en la realidad ni en el pensamiento"
Mary Bauermeister nació el 7 de septiembre de 1934 en Frankfurt am Main, Darmstadt, Alemania, hija del profesor de genética y antropología Wolf Bauermeister, y la cantante Laura Bauermeister.

Realizó sus estudios secundarios en una escuela de Colonia, Alemania, entre 1946 y 1954. Fue aquí donde tuvo como profesor a Günther Ott, quien reconoció su talento artístico y le ayudó a desarrollar sus habilidades. En esta misma época Bauermeister realizó su debut con trabajos en carboncillo, lapices de colores y pasteles.

Inmediatamente después de acabar sus estudios, en el año 1954, Mary Bauermeister se mudaría a Ulm, Alemania, para formar parte de la Hochschule für Gestaltung, también conocida como Escuela de Ulm.

Bauermeister sería una de las 8 alumnas femeninas que tendría la escuela durante su curso 1954/55
junto con Brigitte Gehle, Frauke Decurtins-Koch-Weser, Margaret Korybut-Daszkiewicz, Eva Pfeil, Margit Weinberg-Staber, Colette Thienhaus-Dey e Irmgard Zeischegg.

La escuela, que estaba pensada para un máximo de 150 estudiantes contaba con una cuota femenina del 15%, lo cual, no resulta altamente relevante. Sin embargo, se ha de tener en cuenta que solo se otorgaban 40 nuevas plazas cada año.

El currículum de la escuela se caracterizaba por su condición transversal, que recordaba en su esencia a los métodos de enseñanza de la Bauhaus. En Ulm se reunirían un importante grupo de diseñadores, artistas y arquitectos de gran notoriedad en la creación del Estilo Moderno.

En la escuela, además de la existencia de un curso básico, las asignaturas de economía, sociología, política, psicología y filosofía serían obligatorias para todos los estudiantes, quienes luego decidirían en cual de las disciplinas de la misma se querían especializar.

Tras ser aceptada en la escuela, Mary Bauermeister asistiría al curso básico donde tendría como profesores a Max Bill y a Nonné-Schmidt.

Sin embargo, a pesar del ambiente creativo y la gran influencia que la escuela conseguiría tener durante su existencia e incluso en la actualidad, Bauermeister no se sentiría identificada con el proceso creativo de la misma y la abandonaría tras su primer año.

Tras dejar la Escuela de Ulm, Bauermeister se matricularía en la Escuela Estatal de Artes y Oficios de Saarbrücken, Saarland, Alemania. En esta pasaría un total de dos años experimentando con diferentes técnicas fotográficas.

En el verano de 1961 la artista atendería varias conferencias sobre composición como parte de un curso de verano en la Escuela Internacional de Darmstadt para Nueva Música. Fue en este periodo cuando compuso su "Pintoresca concepción, la nota del pintor - una composición para los seis sentidos- o instrucciones para la acción".

Tras este nuevo periodo de su vida, Bauermeister se mudaría de vuelta a Colonia, donde alquilaría un ático en la calle Lintgasse 28 en el corazón de la ciudad. Se instalaría en este como artista independiente, establecería en el su estudio y ganaría dinero vendiendo sus trabajos en pastel. Rapidamente su apartamento se convertiría en un lugar popular entre los poetas del Avant-gardé, compositores y artistas visuales, incluyendo miembros del entonces recién nacido movimiento Fluxus. Los conciertos y exhibiciones que se daban lugar en su estudio atrajeron a artistas y músicos de gran importancia como Hans G Helms, David Tudor, John Cage, Christo, Wolf Vostell, George Brecht, y Nam June Paik quienes tuvieron la posibilidad de mostrar sus trabajos, rechazados en los círculos artísticos oficiales. Estas reuniones tendrían lugar hasta octubre de 1961.

Sería en el año siguiente, en 1962 cuando Mary Bauermeister conseguiría su primera exposición privada en el Museo de Stedelijk de Amsterdam. Muchos de sus trabajos realizados entre 1958-1962 estarían acompañados por reproducciones musicales de compositores como Stockhausen. En 1963, la exhibición se mostraría en el Museo de Groninger en Países Bajos. Ese mismo año, los trabajos de la artista se incluirían en una exhibición grupal con Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Alfred Leslie, y Richard Stankiewicz. El gran impacto que supuso en ella la obra de Rauscherberg y Johns fue de tal magnitud que decidiría proseguir su carrera artística en Nueva York, a donde llegaría en octubre de 1962.

A finales de ese mismo año Bauermeister comenzaría a colaborar con la galería Bonino de Alfredo y Fernando Bonino. Apoyada por ellos, la artista entraría con éxito a formar parte del mercado artístico neoyorquino y sus trabajos se mostrarían en importantes exposiciones de la ciudad. Bauermeister se dedicó durante los años 60 a mostrar sus obras en la galería Bonino, hasta que en marzo de 1964 sus cajas de cristal fueron exhibidas a público por primera vez en su exposición individual que sería replicada al año siguiente.

Junto con sus exhibiciones individuales, la artista formó parte de exposiciones grupales en los Estados Unidos y Europa, en el Whitney Museum of American Art en Nueva York, la galería Schwarz en Milán y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, entre otros.

A comienzos de los años 70 Bauermeister volvería a Alemania donde realizó su primera retrospectiva organizada por el Museo de Mittelrhein en Koblenz celebrando su aniversario de 20 años como artista en 1972. Al final de esta década la artista se involucraría en el diseño de jardines para el placer y la meditación. Su uso de superficies de agua, cristales y prismas dotaban a sus proyectos de un carácter único que atraería la atención de grandes instituciones como el Landeszentralbank Wiesbaden, el Kölnische Rückversicherung o la Oficina de Exteriores Federal Alemana, quienes le encargarían proyectos.

En 1985 Bauermeister participaría en el Congreso Internacional de Cristalografía en la universidad de Bielefeld donde presentaría sus trabajos en una exhibición individual. A este evento lo seguiría, un año después, la exposición "Los sesenta - el camino de Colonia para convertirse en una metrópolis artística - desde eventos al mercado del arte" que se presentaría en el Cologne Kunstvereinstages. En 1988, varios trabajos de la artista serian exhibidos en el museo Guggenheim de Nueva York.

Mary Bauermeister ha participado en importantes eventos a lo largo de la década de los 90 y comienzos del siglo XXI. Sus creaciones se han mostrado en Colonia, Nueva York, Los Ángeles, Washington D.C., Vancouver y Milán, entre otras ciudades.

En 2011 Mary Bauermeister publicó su libro autobiográfico "Ich hänge im Triolengitter - Mein Leben mit Karlheinz Stockhausen", cuya traducción literal es "Colgando de un trío de rejillas - mi vida con Karlheinz Stockhausen". La edición del mismo daría lugar a una retrospectiva de su trabajo en el Museo de la Mujer de Bonn al año siguiente.

En 2015, Bauermeister creó una nueva serie de trabajos puntillistas en lienzo usando las técnicas que desarrolló en los años 60. Dos años más tarde la artista realizaría una exhibición exclusiva de su trabajo actual en la galería Michael Rosenfeld de Nueva York.

Hoy en día Mary Bauermeister vive en Rösrathnear, Colonia.

Para dar mi opinión he de explicar mi motivación por el estudio de esta artista.

La figura de Mary Bauermeister surgió para mi a partir de una decidida búsqueda del papel de la mujer dentro de la escuela de Ulm.

A pesar de que durante la existencia de la escuela entre 1953 y 1968 llegaron a asistir a la misma un total de 98 mujeres, de un total de 642 estudiantes, no resulta fácil encontrar una figura femenina cuya carrera artística haya destacado mundialmente.

Mary Bauermeister resultó ser la primera mujer, desde el comienzo de la escuela, cuya notoriedad artística
sigue vigente a día de hoy.

Al comenzar a estudiar a esta importante figura del siglo XX, mi interés se centraba en descubrir como el carácter transversal del currículum de la escuela y su reconocido carácter del estilo de la Bauhaus se había manifestado en la obra artística Bauermeister, quien en mi falsa impresión, había transferido los conocimientos de la escuela a su creación artística.

Para mi sorpresa, durante el estudio de la vida de Mary Bauermeister, me encontré con una ávida artista, con una vida creativa muy rica y próspera quien, sin embargo, había relegado de los dogmas de la escuela de Ulm tan solo un año tras su ingreso en la misma.

No puedo admitir por lo tanto que haya logrado mi cometido, ni afirmar que la figura de Bauermeister tenga relevancia dentro del mundo del diseño gráfico o de la propia escuela de Ulm. Sin embargo, si puedo asegurar, sin lugar a duda, que sin esperarlo, he descubierto a una artista multidisciplinar cuya importancia artística ha sido clave y cuya influencia sigue presente a día de hoy.

Mary Bauermeister ha sido una artista, músico, pintora y escultora que desde su paso por la escuela de Ulm se involucró dentro de las vanguardias artísticas del momento dándose a conocer a sí misma al mismo tiempo que generaba un espacio y una plataforma para la expresión de otros artistas, hoy de renombre, que eran marginados en su momento.

Aunque no lo menciono en su biografía, durante la época en la que vivió en su ático de Colonia Bauermeister crearía una estación de radio llamada "Studio für Elektronische Musik" la cual se convirtió en un imán para músicos de todo el mundo. Esta capacidad de dar voz a otros artistas, junto con las exhibiciones que realizó en su apartamento donde se exponían obras de artistas que posteriormente pasarían a ser parte del movimiento Fluxus me parece una de sus grandes cualidades.

Bauermeister tuvo la brillante capacidad de enriquecerse de la compañía de grandes figuras del arte durante sus primeros años como artista, lo que haría prosperar su carrera, y al mismo tiempo creó los medios de difusión para dichos artistas. Aprendió de sus coetáneos y les dio voz, lo que demuestra un innato interés por la cultura junto a un carácter altruista. En mi opinión, fueron estos primeros años los que elevaron su carrera hasta el punto de compartir exposiciones con figuras de renombre como Marcel Duchamp, Joseph Beuys o Andy Warhol.

Incluso tras su paso por el mundo de la fotografía, la música y su gran éxito en el mundo del arte, Bauermeister nos demuestra que nunca debemos pararnos en nuestra carrera artística y decide transcender todos los medios artísticos que había conocido hasta el momento y tras más de 20 años de carrera a sus espaldas decide implicarse en la creación de jardines meditativos, una nueva disciplina donde también lograría grandes resultados.

Mary Bauesmeister es un ejemplo a seguir. Una artista que se cree y se crea a sí misma, que valora su potencial y que hasta el día de hoy trata de superarse a sí misma a través de su arte y su curiosa visión del mundo.
I'm late, I'm late, for a very important date

Beep, beep, beep! The alarm rings
in the morning. I roll in bed and hit
the snooze button — just five
more minutes.

Beep, beep, beep! I do it again —
just five more minutes.

Beep, beep, beeeeeeeeep! I open
my eyes, look at the clock. I'M LATE!

We live in a world where every second counts with complex schedules, meetings, appointments set at precise dates and times, and we seem to always be running behind. That is why a few months ago, I felt struck by a phrase I encountered myself with that declared: "time is the most precious thing we have so we should enjoy everything we do and stop chasing every minute."

I stopped swiping my Instagram and reflected on the phrase. When did I forget such a simple statement? Why do I feel the need to daydream about moving somewhere else where I do not need to look at the time all day long instead of living my life that way?

I decided to follow the trace of the phrase. I read the small text that accompanied the image, clicked on a link, then on a profile image, and I found it. It read "Slow watch." It was the first time I was aware of the brand.

Slow watch is not only a label, but it is also a statement, a new perspective, a mindset that most of us somehow lost. What could be a stronger selling point than offering your customers a new approach to life?

The Slow watch does not look that different from a usual watch or at least not at first sight. It is round, and it goes on your wrist. The key to it is its hands or the lack of them. It only has one hand that goes around once every 24 hours. It does not show the exact second you are in, not even the minute, it just gives you a moment, a reminder to live stress-free.

This young and vibrant company follows today's shopping trends and reaches its customers via online platforms with no physical stores. Their owned and shared media, web page, blog, Youtube, Facebook, Pinterest, Twitter, and Instagram are a reflection of the ideas and aesthetics of the brand. These are complemented with paid media channels such as Google Ads, and the products' appearance in printed catalogues.

Suppose you still thought you could resist the brand. In that case, you will find yourself surrounded by a huge coverage from GQ, The Times, Esquire, Cosmopolitan, and Architectural Digest, among many other earned media platforms.

As you might guess, in the end, I could not stop myself from buying a slow watch and changing it for my everyday one. And even though I keep running after zoom meetings, I still feel the day is not long enough, and I snooze my alarm every morning, now, every time I look at my watch, I remember to breathe, relax, and enjoy.
You can be whatever you want to be
When we are little adults tell us that "we can be whatever we want", that "we can achieve everything we put our minds into". And we truly, deeply believe it.

As we grow, we begin to watch the world around us. Advertisements of white girls, white boys, skinny actors, perfect happy people, and we compare ourselves to them. We watch the news showcasing racial injustice, abuse to minorities, inequality of sexes, judgment, and we compare ourselves to them. Little by little, we begin to raise insecurities, to feel and believe we are not enough.

Now, as adults, we tell children they can be whatever they want and achieve whatever they put their minds into. And you know what? We have the power to show them that it is true.

So, let's make a change. Right now we are doing fine, but we can be great, we can inspire.

In a world where trends turn into necessities, let's make necessity a trend.

We only need to change 30% of our content, of our beliefs to create change. And it has been repeatedly shown that ethnically diverse companies perform 33% better than the norm and Forbe's best workplaces for diversity enjoy 24% higher revenue growth.
We the Urban

This is not an established publication, but maybe it should be.

WE THE URBAN exists to enlighten, inspire, and empower today and tomorrow's cultural pacesetters through galvanizing, forward-thinking visuals and fearless storytelling.

After our 2009 inception, WE THE URBAN quickly garnered worldwide press as the number one media outlet on the world's top micro-blogging platform (Tumblr) by one of the world's youngest editors, Willie Greene.

This bi-weekly digital cover stories aims to capture and shine a light on multicultural vanguard creatives who push boundaries in fashion, art, music, and various other respective creative fields.

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Currently, we can find We the Urban on their website, Instagram, Facebook, Twitter, and Tumblr accounts, in which they post content related to culture, arts, and empowerment.

But, how should they move forward?

In a media where so many platforms exist, each one of them with different audiences and looks, which would be the best path to follow to be able to engage with each and every one of them?

Given that We the Urban already generates content twice each week, let's create a social media plan and takes it as an advantage. With each week's generated content the platform will be able to generate redefined content for each one of their future platforms without losing their tone nor their money and time.

The social media plan for per new story will be as follows:

1. Research and creation of the piece following the already step-by-step model.

2. Upload the content to their current platforms the same as they have until now.

3. Let's engage with a broader audience!

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TikTok

Given the empowering nature of the platform, each time a new story comes up they will create a short TikTok video with the protagonists of the story.

They will say two things that empower them and two things they have overcome in relation to the matter at hand and will encourage people to do the same in their own videos.

They will use the hashtags #weempower, #weovercome

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YouTube

Taking advantage of the interviews they already do for their stories they will create "How to" videos of them where they speak about:

- Why they have chosen the subject matter
- Who have they contacted
- How have they been able to talk to them
- A brief video of the interview
- Final thoughts after their research

This is a really informative way to engage with their audience and help them understand their train of thought and creation.

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Podcast

Using their current time and resources in the best multiple ways, they will generate a podcast version of their Youtube video.

This way they will not need many more resources and, at the same time, they will be able to interact with a different public that may be driving or cooking while engaging with their content.

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Newsletter

This will be the icing on the cake.

In addition to all the content generated for the other platforms, the newsletter will be sent directly to the inbox of those more interested in their stories with exclusive insights into the story.