About me
Will she end up underneath a bridge? Will she build it herself?
Architect in love with the creative sphere leaves behind six years of studies to try to make a name in the world of art and design.
After six intense years of studying what is known as one of the most difficult bachelors, with grades desired by many, I found the courage to proclaim that "I didn't want to be an architect!". And see my parent's traumatized faces.

It is one of these moments no one prepares you for. They do not teach you how to face them at school or hanging with your friends. Not even the fortune cookies seem to have the answer. How do you explain to your really proud parents, right after finishing your architecture studies, that you want to try to have a career in what they consider will leave you living underneath a bridge?- to be a designer, to be part of the art world.

For best or worst, that is my story, and here you can find my portfolio. Hopefully, I can convince you I made the right choice.
If you are vintage and you prefer to contact me via mobile, these are the numbers I have had the past few years:

- Canada: +1 905 320 8601
- UK: +44 7517 356379
- Ecuador: +593 95 894 9345
- Denmark: +45 99 55 87 35

And the one I currently use:

- Spain:

And, in case you are interested,

Fdo. Uxía Martínez Pérez
This flyer has been designed for a hypothetical Larry Clark's exhibition at MoMA. It conveys the artist's intentions in a simple yet compelling design: transmitting his hyper-American and obscure photography characteristics.
Creative direction
Levi's & Amy Isles Freeman
This is a vision for a collaborative experience between Levi's & the artist Amy Isles Freeman.

Levis has a long history of a collaborative collection with other brands and creators. This is my creative design for a future collaboration of the brand with young emerging artists.
Creative direction
Campaigns and strategies need to be increasingly creative and innovative. Often we find tons of Social Media campaigns and online advertising. Yet, the physical world is still around us and there are many ways to develop impactful and different campaigns to engage your audience.

This poster/mural is my vision for GucciFest.
Creative direction
Re-design of the Burberry 2014 Billy Elliot campaign
To recreate the Billy Elliot campaign and make it engaging for TikTok and Instagram stories, I have reimagined the concept to make it modern and relevant.

Billy Elliot's story is about a young kid that follows a dream until the end, that fights for what he believes, and does it through dance and love. Nowadays, as it happened to Billy in the movie too many people have lost their loved ones, and they need to keep fighting. Christmas times are one of the most difficult times of the year if you have lost someone close to you. For that reason, and keeping the "with love" theme of the campaign I have created a website where people from all over the world can share their stories through text and dance, and share them with the world.

Every time a person enters the website he/she/they have the opportunity to make a recording that will go directly to Burberry's social media, and will be shared globally.

You can visit the site here: https://uxiart.com/b2ws
Creative direction
Product photography
Experimental product photography.

It plays with lightning and scenery to create a surreal environment that allows the photography to work without any editing.
Golsa Golchini
This project aims to showcase the work of this experimental artist. The use of an unconventional size and material perfectly fits the artist's pieces, following her usual format and canvas material.
Casa de México
Editorial-focused branding project that emerges after the appearance of a new cultural institution: Casa de México. This project addresses the challenges of creating a brand identity from scratch, and tackle the lack of editorial coherence in their publications (long-term and short-term exhibitions as well as educational activities).

The proposed design brings together three different types of publications under one master design that adapts to each of the printed materials. This allows the institution to showcase a unique identity that is also suitable in their merchandise and social media presence.
The One and The Many is an art exhibition supported by UNOPS in Gaza. The main challenge represented by this project was the coexistence of English and Arabic in the same layout. The presented design tackles the language barrier and allows both audiences to enjoy the same experience.

Lowe Home
Experimental architecture and art magazine.

The articles differentiate between text and images making sure they are never together on the same page. The contents are curated showcasing them in the bigger main pages or the secondary smaller ones, making sure the reader knows where to focus his/her attention.
Antonio Villaseca
Photography portfolio of Antonio Villaseca.

The project includes a physical book of his work and an emerging website that makes the audience engage with his work.

The link to the website is: https://uxiart.com/villaseca
Conde Nast
Experimental editorial project.

This magazine contains articles about digital content creation. Its mix of images, typography, and layouts make it an innovative project in which each and every page is different from the rest and where the user never knows what to expect. The aim of all this is to engage the reader to keep reading the magazine, to keep turning the page, and absorb all its content and design.
Creative Direction
Experimental editorial project.

This magazine contains articles about creative direction. A game of bold typographies and colors in an innovative format. The aim of all this is to engage the reader to keep into the world of creative direction and creatively engage them.
Ted Baker poster
We currently live in a world where we can not touch each other, even more, it is dangerous to just be in the same room with many people.

I believe we need a shift of ideas. We are used to brands showing models wearing their clothes in fantastic sceneries in magazines and advertising through photographs, but there are other ways of creating beautiful advertisements. Through collages of still clothes, cutouts of models, and some creativity we can still create beautiful and engaging imaging.
Paper Moons
Nowadays we are all becoming more and more digital. We spend our whole days in front of a computer or a phone. This shoot means to look back at the beauty of paper. The beauty of physical love letters, the texture of the paper, its smell, and the way it lasts through the years.

The inspiration for the project will be based on Akira Chinen's "Paper Moons" poem.
Ben Slow
This project takes the amazing Ben Slow's murals into the printed page.

It generates a metaphor between the artist's work and the editorial format by showcasing them in a tabloid newspaper that relates to the street and public characteristics of his works.
Brand manual for an editorial identity.

R-te is a new publishing house specialized in emerging artists. The aim of the identity is to be easily recognizable while being also respectful to the artist's work, make them the center of attention in every one of their designs.
Kanye West
Experimental cover design for Wallpaper magazine. The issue features Kanye West's bipolar disorder, which has been influenced by David Carson's work.

The design conveys how uncertain and messy this disorder can be, and it uses its most iconic symbol, the happy/sad icon, and the correlation between the text and Kanye West's 2018 album "Ye".
Golsa Golchini
This web aims to showcase the artist's creative works in a digital medium. It creates a connection between her printed material and her digital presence.
Cosmos is the learning platform of the future. This project creates an app that revolutionizes the educational world, giving students new ways of studying and learning.
World Water Day
Visual material designed for a UNOPS-led social media campaign launched during the World Water Day. The campaign portrays the children's dreams and aspirations of becoming doctors, teachers, and chemists when they grow up. It was translated into English and Spanish, and one of the posts reached 3.483 likes on Facebook.

Click HERE for the online publication.
Ben Slow
This digital project brings Ben Slow's art into the digital media.

An artist characterized by his large size murals is showcase using large size images that cover the majority of the screen.
Block Shop Textiles
This digital campaign aims to create viral social media content relating to Block Shop Textiles' new collection.

It is a video mood board that explores how dancers can relate to the new content and encourages the public to do the same using John Cage's "Walter Walk" composition as the background audio.
Conde Nast
Following the great success of British Vogue's Non-Issue Issue in 2019, the Beauty Weekend Online Event 2021 will encourage the conversation between generations, pairing up figures with great enduring careers and successes, with the newer names in the fashion and beauty industry.

This event gives the audience the possibility to understand how the Fashion and Beauty industries have changed in the last decades. The attendees will get first-hand impressions of how it used to operate and how it nowadays works from renowned names, with their own experiences and points of view.

This Social Media Campaign aims to create an expectation surrounding the event and encourages people to attend.
Online kids clothing store. It is designed for young parents who check their mobiles on their way to work and in their breaks. It gives them the possibility of buying fashionable clothes for their kids through the magazine speeding up the buying process.
Absent presence
Yo estoy ausente, pero en el fondo de esta ausencia Hay la espera de mí mismo.
Y esta espera es otro modo de presencia.
La espera de mi retorno.
Yo estoy en otros objetos.

- Vicente Huidobro
Visual photography game where popcorn becomes flowers.
Photography experiment of knolling with the pieces of a printer.
Still-life photography concentrated on color and simetry.
Fashion illustration
The project focused on the creation of a small illustration portfolio focused on fashion design.
Still life
Making food photography enjoyable and colorful with a different perspective.
Valentine's fashion
This media post aims to advertise an Online Fashion Event for Valentine's day.

It engages with the audience through a fun and colorful motion graphics video that makes people wonder about the event and encourages them to attend.
Organic Beauty
Digital content creation for a vegan hand cream brand.

The African orange organic & the Citrus blend aromatic lotions are shown in different videos and tones.
Irma Boom

"Comparo mi trabajo con la arquitectura. No construyo casas, construyo viviendas sociales. Los libros son creados de forma industrial y deben ser muy buenos porque en una edición limitada puedes hacer lo que quieras pero una tirada industrial es compleja. Pero no es arte. Nunca, nunca, nunca."

Irma Boom nació el 15 de Diciembre de 1960 en Lochem, Países Bajos.

Estando en tercero de carrera, poco antes de graduarse de la escuela de diseño en 1980, Irma Boom ya era una estudiante con grandes motivaciones en busca de una beca de trabajo que le aportase conocimientos y le diera experiencia. En aquel entonces, una enamorada de la tipografía suiza, aplicó al Total Design en Amsterdam, donde Wim Crourel era director, sin embargo, fue rechazada por usar demasiadas tipografías en sus trabajos en un estudio donde se entendía la Helvética como la única tipografía posible.

Tras esta primera mala experiencia, un profesor de la Arkez Academy for Art and Design a la que asistía, le recomendó que se uniera al departamento de diseño de Staatsdrukkerij, una oficina estatal de impresión y publicidad. Aunque al principio la idea de unirse a la misma le resultaba aburrida y se sentía desganada al respecto, resultó ser el mejor lugar para Irma Boom. En las oficinas del Staatdrukkerij trabajaría con 30 diseñadores y se cualificaría en los campos de creación de libros e identidades corporativas. Tras acabar su beca, trabajó por tres meses en el Studio Dumbar, un estudio especializado en la estética avantgardé, donde descubrió que el diseño gráfico podía ser algo divertido.

Desde 1920 la PTT, la Compañía estatal de Mensajería y Telecomunicaciones, específicamente su Departamento de Arte y Diseño, había realizado comisiones con artistas, arquitectos y diseñadores para llevar a cabo sus servicios y productos. Irma Boom estaría de vuelta en la misma, en la Staatdrukkerij, como trabajadora tras acabar sus estudios y su paso por ella la enmarcaría en un contexto de gran libertad creativa, en los años de pleno apogeo de la publicación editorial. Ella misma cuenta como si realizabas una portada para un libro te incentivaban a usar nuevas técnicas de mercado. El departamento era un trampolín para jóvenes diseñadores y terminaría trabajando en el durante cinco años y medio.

Realizó los encargos que nadie quería, como anuncios para el departamento de publicidad o trabajos internos que solo eran vistos por Oxenaar, sin embargo, estos fueron para Irma Boom la oportunidad de experimentar y le abrieron últimamente las puertas a realizar uno de sus trabajos más prestigiosos, the Annual Dutch postage stamp book. Fue tras este encargo cuando la diseñadora fue consciente por primera vez de la existencia de una audiencia y de la opinión del mundo exterior. Los libros de sellos serían altamente rechazados por coleccionistas y diseñadores, aunque también obtendrían publicidad positiva. Fueron el proyecto que daría a conocer a Irma Boom.

Los libros de sellos de Boom polarizarían la comunidad de diseño. Ganaría, gracias a ellos, grandes premios, entre ellos, su primer Best Book Award, en el que el jurado denominaría sus libros como "un fallo brillante". Esta experiencia le demostraría que la publicidad negativa tiene un gran impacto, en ocasiones, mayor que la publicidad positiva.

Tras esta etapa de su vida, Irma Boom se mudaría a Nueva York donde mostraría su trabajo a sus coetáneos norteamericanos, quienes no eran capaces de concebir su ideología del diseño. En una sociedad regida por el marketing no comprendían como los libros de Boom podían no tener imágenes en la porta- da, un problema inexistente en los Países Bajos, donde existía una mayor libertad creativa. Esta diferencia de visiones dentro de mundo del diseño serían finalmente las que llevarían a Boom de vuelta a los Países Bajos.

En sus trabajos, Irma Boom se caracteriza por presentaciones escuetas, donde no menciona en ningún momento los detalles de las maquetaciones de los libros, sino que vende un concepto, una abstracción que comparte con sus clientes y con quienes llega a un pensamiento compartido, un proceso al que denomina "The Argument".

Este procedimiento le lleva a formar parte tanto del diseño como del contenido de sus libros, sin embargo, nunca se refiere a su trabajo como un proceso editorial dado que lo considera pretencioso al no ser ella la escritora de los mismos. Boom considera su manera de enfocar el diseño editorial como la más natural a la hora de realizar un libro, definiendo la estructura del mismo, hablando con los escritores y editando las imágenes. Su obra se caracteriza por la realización de pequeños modelos de sus libros que le ayudan a ver la estructura de los mismos y que en su opinión llegan a resultarle más entretenidos que la realización del propio libro, un proceso que conlleva un resultado final en el que se puede sentir el sello de Irma Boom.

Dentro de sus trabajos más destacados hay que mencionar su libro Irma Boom: The Architecture of the Book. Un compendio de la carrera de Boom con una introducción realizada por el famoso arquitecto Rem Koolhaas y textos escritos por Mathieu Lommen. Esta edición de 41,4 x 54 mm tiene una versión de mayores dimensiones y contenido idéntico, su versión XXL que mide 345 x 455 mm y pesa 7,5 kg. Todos los tomos son de tapa blanda con bordes coloreados y vienen en el interior de una caja de las dimensiones de un libro convencional.

Su trabajo por excelencia es, sin embargo, fue el libro diseñado para el Yale University Press en 2006, en el que Boom trata el trabajo de Sheila Hicks. El libro, llamado Sheila Hicks: Weaving as a Metaphor es un icono de su diseño editorial. Los bordes de las páginas del mismo han sido cortadas con un sierra circular que evoca los bordes deshilachados del trabajo textil de la artista.

Durante toda su carrera Irma Boom ha realizado más de 250 libros, 50 de los cuales pertenecen a la colección permanente del MoMA. El mismo museo le ha pedido a Boom parte de su colección de miniaturas, la cual, sin embargo, guarda con gran ape- go. Irma Boom ve a sus libros como objetos que comunican ideas e historias, que estimulan todos los sentidos.

Para dar mi opinión he de explicar mi motivación por el estudio de esta artista. La figura de Irma Boom apareció para mí a partir de la lección de esta semana de Historia del Diseño. El primer motivo por el que decidí estudiar a esta diseñadora fue su género. Durante estas cuatro semanas he intentado en todo momento realizar trabajos sobre figuras femeninas ya que considero que estas no han tenido la valoración que se merecen a lo largo de la historia. En segundo lugar, los comentarios realizados sobre Boom durante la sesión, así como los vídeos que se proporcionaban sobre la diseñadora apelaron a mi conocimiento en diseño editorial y de publicaciones, haciéndome sentir una curiosidad singular por su trabajo.

En referencia a sus primeros años de carrera considero destacable el rechazo de su candidatura por parte del Total Design en Amsterdam y su unión, por descarte, a la Staatsdrukkerij. Hoy en día nos encontramos en una eta- pa en la que tener estudios de máster y saber idiomas han pasado de asegurarte un trabajo, a convertirte en uno más del montón. La falta de experiencia profesional de la juventud recién licenciada se enfrenta con una multitud de profesionales con años trabajados que ,por desgracia, se encuentran desempleados hasta lograr conseguir pues- tos que años atrás darían pie a la carrera de jóvenes con grandes motivaciones. Esto genera un bucle inevitable en el que uno no obtiene un puesto de trabajo por falta de experiencia, y carece de experiencia por falta de trabajo. Considero que, en el contexto en el que nos encontramos, hemos de aprender de Boom, pidiendo consejo a profesores y profesionales y confiando en que nos guíen hacia posibles oportunidades.

Así mismo, y a pesar de la opinión de la propia Irma Boom, me parece que su interpretación del libro como objeto que trata de aunar todos los sentidos y su extenso análisis del continente y contenido genera verdaderas obras de arte.

Su intencionada participación en el proceso editorial de sus libros, la creación de miniaturas que le ayudan a analizar con todo detalle la estructura de los mismos y su elevado interés por conocer en profundidad cada materia a tratar demuestran como la pasión y la dedicación en el trabajo conducen a lograr resultados admirables. Como ella misma declara "un encargo es en lo que tu lo conviertas y el esfuerzo que quieras poner en el trabajo".

Creo que la figura de Irma Boom debe de servirnos como inspiración a la juventud desorientada de la sociedad actual. Que debemos de tratar de sacar lo mejor de nosotros mismos en cada trabajo, en cada proyecto que realicemos, que aunque no consigamos el puesto que íbamos buscando, es quizás en el
sitio más inhóspito donde encontramos la posibilidad de crecer como personas y como profesionales y que si ponemos todo nuestro empeño en ello conseguiremos aquello que nos propongamos.
Barbara Stauffacher Solomon

"Rompí todas las normas"
Barbara Stauffacher Solomon nació en San Francisco en 1929.

A la edad de 14 años, estando ya en el instituto, realizó una serie de dibujos de gran formato en carboncillo que le abrirían las puertas a la Escuela de Bellas Artes de San Francisco donde le ofrecerían una beca completa. Durante esta primera etapa de su vida se pasaría los días yendo del instituto a la academia de artes, y de esta a la Escuela Pública de Ballet de San Francisco, donde aprendería danza.

En 1945, dadas las bajas posibilidades de tener un salario como pintora en aquel momento histórico, trabajaría como bailarina en clubs, lo que sería su profesión en aquel momento, y que le llevaría a conocer a su futuro marido Frank Stauffacher con quien contraería matrimonio en Noviembre de 1948.

A lo largo del año 1949 Barbara Stauffacher pasaría sus días estudiando inglés, francés, historia y filosofía en la Universidad de California, y realizaría varios viajes a Francia y España. En Enero de 1952 nacería su hija Chloe en la capital londinense, entonces su lugar de residencia junto con su madre Lil y su marido Frank desde 1951. En la primavera de 1952, la familia se mudaría a Nueva York, donde Frank tendría que someterse a una cirugía. El otoño de ese mismo año, les conduciría de vuelta a Marina Bay, San Francisco.

Barbara y Frank Stauffacher llevaban casados seis años, cuando repentinamente este fallece a causa de un tumor cerebral en Julio de 1955, con tan solo 39 años de edad.

Entre 1955 y 1958, Barbara Stauffacher, a la que sus familiares y amigos más cercanos terminarían apodando como "Bobbie" se muda a Suiza con Lil y Chloe, donde estudiaría tipografía de la mano de Armin Hoffman, quien le conseguiría una plaza en la Kunstgewerbeschule bajo su tutela.

Durante su etapa en la Kunstgewerbeschule Bobbie estudiaría las reglas de la escuela Suiza, seguiría sus enseñanzas, aprendería a crear soluciones claras y concisas, y se formaría según las pautas de la misma.

Tras su paso por la Escuela de Suiza y su examen final en 1959, Bobbie se movería entre Basilea, Nueva York, Los Ángeles y San Francisco comenzando así su carrera como diseñadora mientras su hija Chloe se encuentra en un internado.

En enero de 1961 Bobbie se marcharía, por última vez, de su apartamento cerca del río Rin en Basilea y volvería a San Francisco. En 1962 abre su estudio que mantendría hasta 1972. Bobbie se aprovecharía su formación en la Kunstgewerbeschule y de sus conocimientos en Expresionismo Abstracto, que había adquirido antes de asistir a la misma de la mano de David Park para romper las reglas que había aprendido y generar su propio estilo.

En 1965 completaría la que está considerada como su obra más importante, el Sea Ranch, en un total de 3 días.

En esta misma época de su vida Bobbie realiza numerosos viajes a Berlín entre 1966 y 1968, así como a Suiza, donde se encuentra su hija.

En la publicación de Mayo de 1968 la revista Life publicaría "Los Supergraphics!" conforme el proyecto del Sea Ranch sigue generando boletines de prensa en gran cantidad de publicaciones como Progressive Architecture y Abitare.

En los años siguientes Bobbie desplazaría su carrera hacia el campo de la arquitectura, estudiando en Berkeley y leyendo textos de historia y filosofía. Se casaría de nuevo, tras más de 13 años como viuda, con Dan Solomon, con quién tendría otra hija, de nombre, Nellie.

Los ochenta volverían a traer a Bobbie a Europa donde realizaría un trabajo con Ricardo Bofill en Barcelona en1982 y ganaría el Prix de Rome en 1983.

Al final de la década de los ochenta su segundo matrimonio estaría casi acabado, la ciudad de San Francisco temblaría ante el terremoto Loma Prieta de 1989 y Bobbie escribiría su libro "Good Mourning California".

En 1990 su carrera como arquitecta paisajística le otorga grandes proyectos como el Vesey Green project entre 1994-1997 y The Embarcadero Promenade para la ciudad de San Francisco, que ganaría en 1996 con su propuesta "The Ribbon" y que se completaría años después tras numerosas complicaciones en el proyecto. En 2002 Stauffacher Solomon forma parte del San Francisco Art Commission, al mismo tiempo, trabaja en su "cómic académico para adultos" llamado Utopia Myopia, en su biografía Why? Why not? capturando el arte y el diseño de los años ochenta, y el libro que refleja su vida en aquellos momentos, Six Months at the Sheraton. Su formato de trabajo por excelencia es de 81/2" x 11", aproximadamente 1 x 0,27 metros, lo que le permite mostrar su trabajo como páginas de un libro o como posters, según le resulte oportuno. Su trabajo se exhibiría en el SFMOMA entre otros.

Uno de sus últimos trabajos realizando Supergraphics fueron los aseos del Marin Country Mart en 2013. Su cliente, James Rosenfield, era admirador de su trabajo en el Sea Ranch y quería capturar el particular estilo del norte de California.

Para dar mi opinión he de explicar mi motivación por el estudio de esta artista.

La figura de Barbara Stauffacher Solomon apareció para mí a través del libro Hall of femmes: Barbara Stauffacher Solomon. La colección Hall of Femmes es un proyecto personal llevado a cabo por dos diseñadoras, Samira Bouabana y Angela Tillman Sperandio, quienes quisieron dar a conocer la figura de la mujer dentro del mundo del diseño y la dirección de arte.

Para mí, este libro surgió como un faro de esperanza en un momento de total incertidumbre. Tras mis estudios en arquitectura, decidí estudiar historia del arte y conseguí de forma totalmente inesperada unas prácticas como diseñadora gráfica, cuando todavía no sabía lo que era una infografía o podía comprender la importancia de una tipografía como la Helvética a lo largo de la historia. A pesar de las reiteradas notas positivas hacia mi trabajo de diseño por parte de mis compañeros y superiores, sentía haber perdido seis años de mi vida estudiando una carrera que entonces consideraba totalmente ajena al mundo del diseño gráfico y al mismo tiempo ansiaba unos conocimientos gráficos que carecía por falta de estudios.

Barbara Stauffacher Solomon, con sus supergraphics me abrió una nueva perspectiva, se convirtió en una promesa, la de que el esfuerzo que había realizado hasta entonces no había sido en vano. En los supergraphics encontré la unión de diseño y arquitectura, y en la figura interdisciplinar de Bobbie me encontré a mi misma. Una artista que comenzó como bailarina, pintora, que estudió diseño en la Escuela de Suiza y terminó estudiando arquitectura en Berkeley. Una historia que, aunque se desenvolvía en el sentido contrario a la mía, me demostraba que la unión de todas las artes no solo era y es posible, sino que es un obsequio que enriquece tu conocimiento.

Así mismo, su historia, el hecho de que se quedara viuda a una edad tan temprana, en un momento histórico en el que el papel de la mujer todavía se centraba más en la figura de ama de casa y no el de trabajadora, y lograse romper con esas reglas preestablecidas de la sociedad atreviéndose a mudarse a otro continente para lograr unos estudios y mantener así a su familia en los años venideros abriendo su propio estudio me pareció valiente, inspirador, un ejemplo a seguir.

Puede que mi visión de Barbara Stauffacher Solomon no sea objetiva, dados los motivos anteriores, sin embargo, el hecho de que aparezca en una colección como la de Hall of Femmes me demuestra que a pesar de mi subjetividad, la figura de Bobbie es relevante en el estudio de la historia del diseño gráfico y que otras mujeres comparten la importancia que yo misma he encontrado en esta figura.

Me gustaría destacar una hazaña que la propia Barbara Stauffacher recalca en su entrevista para Hall of Femmes, y es que cuando le preguntan sobre su interdisciplinareidad como artista, al haber escrito libros como Utopia Myopia, haber estudiado diseño gráfico e incluso arquitectura, ella misma llegó a encontrarse en una encrucijada, en un abismo, cuando decidió aplicar para la baca del Prix de Rome. Bobbie explica que en aquel momento la interdisciplinareidad no estaba bien vista, y que cuando trataba de rellenar el formulario para la beca no sabía como definirse. El impreso te delimitaba como diseñador, artista, arquitecto o escritor, sin embargo, ella lo era todo. En la entrevista, la propia Bobbie admite que terminó marcando todas las casillas y que a pesar del revuelo que eso causó en el jurado, finalmente conseguiría el Prix de Rome.

Personalmente considero que incluso hoy en día ser un artista multidisplinar sigue siendo complicado. Vivimos en una sociedad que parece darle más importancia a la especialización que al conocimiento colectivo, cuando en mi opinión, este segundo, es mucho más enriquecedor.

Desde que la figura de Bobbie apareció en mi vida he continuado trabajando como diseñadora gráfica, he decido formarme en esta disciplina y he continuado paralelamente mis estudios en arte, tratando en todo momento de unir ambas materias con mis conocimientos en arquitectura, y buscando deliberadamente otros artistas y diseñadores de carácter multidisciplinar que poder tener como referencia, y que me inspiren en mi día a día.
Mary Bauermeister

"Sencillamente he seguido una motivación interna por expresar aquello que todavía no existe, ni en la realidad ni en el pensamiento"
Mary Bauermeister nació el 7 de septiembre de 1934 en Frankfurt am Main, Darmstadt, Alemania, hija del profesor de genética y antropología Wolf Bauermeister, y la cantante Laura Bauermeister.

Realizó sus estudios secundarios en una escuela de Colonia, Alemania, entre 1946 y 1954. Fue aquí donde tuvo como profesor a Günther Ott, quien reconoció su talento artístico y le ayudó a desarrollar sus habilidades. En esta misma época Bauermeister realizó su debut con trabajos en carboncillo, lapices de colores y pasteles.

Inmediatamente después de acabar sus estudios, en el año 1954, Mary Bauermeister se mudaría a Ulm, Alemania, para formar parte de la Hochschule für Gestaltung, también conocida como Escuela de Ulm.

Bauermeister sería una de las 8 alumnas femeninas que tendría la escuela durante su curso 1954/55
junto con Brigitte Gehle, Frauke Decurtins-Koch-Weser, Margaret Korybut-Daszkiewicz, Eva Pfeil, Margit Weinberg-Staber, Colette Thienhaus-Dey e Irmgard Zeischegg.

La escuela, que estaba pensada para un máximo de 150 estudiantes contaba con una cuota femenina del 15%, lo cual, no resulta altamente relevante. Sin embargo, se ha de tener en cuenta que solo se otorgaban 40 nuevas plazas cada año.

El currículum de la escuela se caracterizaba por su condición transversal, que recordaba en su esencia a los métodos de enseñanza de la Bauhaus. En Ulm se reunirían un importante grupo de diseñadores, artistas y arquitectos de gran notoriedad en la creación del Estilo Moderno.

En la escuela, además de la existencia de un curso básico, las asignaturas de economía, sociología, política, psicología y filosofía serían obligatorias para todos los estudiantes, quienes luego decidirían en cual de las disciplinas de la misma se querían especializar.

Tras ser aceptada en la escuela, Mary Bauermeister asistiría al curso básico donde tendría como profesores a Max Bill y a Nonné-Schmidt.

Sin embargo, a pesar del ambiente creativo y la gran influencia que la escuela conseguiría tener durante su existencia e incluso en la actualidad, Bauermeister no se sentiría identificada con el proceso creativo de la misma y la abandonaría tras su primer año.

Tras dejar la Escuela de Ulm, Bauermeister se matricularía en la Escuela Estatal de Artes y Oficios de Saarbrücken, Saarland, Alemania. En esta pasaría un total de dos años experimentando con diferentes técnicas fotográficas.

En el verano de 1961 la artista atendería varias conferencias sobre composición como parte de un curso de verano en la Escuela Internacional de Darmstadt para Nueva Música. Fue en este periodo cuando compuso su "Pintoresca concepción, la nota del pintor - una composición para los seis sentidos- o instrucciones para la acción".

Tras este nuevo periodo de su vida, Bauermeister se mudaría de vuelta a Colonia, donde alquilaría un ático en la calle Lintgasse 28 en el corazón de la ciudad. Se instalaría en este como artista independiente, establecería en el su estudio y ganaría dinero vendiendo sus trabajos en pastel. Rapidamente su apartamento se convertiría en un lugar popular entre los poetas del Avant-gardé, compositores y artistas visuales, incluyendo miembros del entonces recién nacido movimiento Fluxus. Los conciertos y exhibiciones que se daban lugar en su estudio atrajeron a artistas y músicos de gran importancia como Hans G Helms, David Tudor, John Cage, Christo, Wolf Vostell, George Brecht, y Nam June Paik quienes tuvieron la posibilidad de mostrar sus trabajos, rechazados en los círculos artísticos oficiales. Estas reuniones tendrían lugar hasta octubre de 1961.

Sería en el año siguiente, en 1962 cuando Mary Bauermeister conseguiría su primera exposición privada en el Museo de Stedelijk de Amsterdam. Muchos de sus trabajos realizados entre 1958-1962 estarían acompañados por reproducciones musicales de compositores como Stockhausen. En 1963, la exhibición se mostraría en el Museo de Groninger en Países Bajos. Ese mismo año, los trabajos de la artista se incluirían en una exhibición grupal con Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Alfred Leslie, y Richard Stankiewicz. El gran impacto que supuso en ella la obra de Rauscherberg y Johns fue de tal magnitud que decidiría proseguir su carrera artística en Nueva York, a donde llegaría en octubre de 1962.

A finales de ese mismo año Bauermeister comenzaría a colaborar con la galería Bonino de Alfredo y Fernando Bonino. Apoyada por ellos, la artista entraría con éxito a formar parte del mercado artístico neoyorquino y sus trabajos se mostrarían en importantes exposiciones de la ciudad. Bauermeister se dedicó durante los años 60 a mostrar sus obras en la galería Bonino, hasta que en marzo de 1964 sus cajas de cristal fueron exhibidas a público por primera vez en su exposición individual que sería replicada al año siguiente.

Junto con sus exhibiciones individuales, la artista formó parte de exposiciones grupales en los Estados Unidos y Europa, en el Whitney Museum of American Art en Nueva York, la galería Schwarz en Milán y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, entre otros.

A comienzos de los años 70 Bauermeister volvería a Alemania donde realizó su primera retrospectiva organizada por el Museo de Mittelrhein en Koblenz celebrando su aniversario de 20 años como artista en 1972. Al final de esta década la artista se involucraría en el diseño de jardines para el placer y la meditación. Su uso de superficies de agua, cristales y prismas dotaban a sus proyectos de un carácter único que atraería la atención de grandes instituciones como el Landeszentralbank Wiesbaden, el Kölnische Rückversicherung o la Oficina de Exteriores Federal Alemana, quienes le encargarían proyectos.

En 1985 Bauermeister participaría en el Congreso Internacional de Cristalografía en la universidad de Bielefeld donde presentaría sus trabajos en una exhibición individual. A este evento lo seguiría, un año después, la exposición "Los sesenta - el camino de Colonia para convertirse en una metrópolis artística - desde eventos al mercado del arte" que se presentaría en el Cologne Kunstvereinstages. En 1988, varios trabajos de la artista serian exhibidos en el museo Guggenheim de Nueva York.

Mary Bauermeister ha participado en importantes eventos a lo largo de la década de los 90 y comienzos del siglo XXI. Sus creaciones se han mostrado en Colonia, Nueva York, Los Ángeles, Washington D.C., Vancouver y Milán, entre otras ciudades.

En 2011 Mary Bauermeister publicó su libro autobiográfico "Ich hänge im Triolengitter - Mein Leben mit Karlheinz Stockhausen", cuya traducción literal es "Colgando de un trío de rejillas - mi vida con Karlheinz Stockhausen". La edición del mismo daría lugar a una retrospectiva de su trabajo en el Museo de la Mujer de Bonn al año siguiente.

En 2015, Bauermeister creó una nueva serie de trabajos puntillistas en lienzo usando las técnicas que desarrolló en los años 60. Dos años más tarde la artista realizaría una exhibición exclusiva de su trabajo actual en la galería Michael Rosenfeld de Nueva York.

Hoy en día Mary Bauermeister vive en Rösrathnear, Colonia.

Para dar mi opinión he de explicar mi motivación por el estudio de esta artista.

La figura de Mary Bauermeister surgió para mi a partir de una decidida búsqueda del papel de la mujer dentro de la escuela de Ulm.

A pesar de que durante la existencia de la escuela entre 1953 y 1968 llegaron a asistir a la misma un total de 98 mujeres, de un total de 642 estudiantes, no resulta fácil encontrar una figura femenina cuya carrera artística haya destacado mundialmente.

Mary Bauermeister resultó ser la primera mujer, desde el comienzo de la escuela, cuya notoriedad artística
sigue vigente a día de hoy.

Al comenzar a estudiar a esta importante figura del siglo XX, mi interés se centraba en descubrir como el carácter transversal del currículum de la escuela y su reconocido carácter del estilo de la Bauhaus se había manifestado en la obra artística Bauermeister, quien en mi falsa impresión, había transferido los conocimientos de la escuela a su creación artística.

Para mi sorpresa, durante el estudio de la vida de Mary Bauermeister, me encontré con una ávida artista, con una vida creativa muy rica y próspera quien, sin embargo, había relegado de los dogmas de la escuela de Ulm tan solo un año tras su ingreso en la misma.

No puedo admitir por lo tanto que haya logrado mi cometido, ni afirmar que la figura de Bauermeister tenga relevancia dentro del mundo del diseño gráfico o de la propia escuela de Ulm. Sin embargo, si puedo asegurar, sin lugar a duda, que sin esperarlo, he descubierto a una artista multidisciplinar cuya importancia artística ha sido clave y cuya influencia sigue presente a día de hoy.

Mary Bauermeister ha sido una artista, músico, pintora y escultora que desde su paso por la escuela de Ulm se involucró dentro de las vanguardias artísticas del momento dándose a conocer a sí misma al mismo tiempo que generaba un espacio y una plataforma para la expresión de otros artistas, hoy de renombre, que eran marginados en su momento.

Aunque no lo menciono en su biografía, durante la época en la que vivió en su ático de Colonia Bauermeister crearía una estación de radio llamada "Studio für Elektronische Musik" la cual se convirtió en un imán para músicos de todo el mundo. Esta capacidad de dar voz a otros artistas, junto con las exhibiciones que realizó en su apartamento donde se exponían obras de artistas que posteriormente pasarían a ser parte del movimiento Fluxus me parece una de sus grandes cualidades.

Bauermeister tuvo la brillante capacidad de enriquecerse de la compañía de grandes figuras del arte durante sus primeros años como artista, lo que haría prosperar su carrera, y al mismo tiempo creó los medios de difusión para dichos artistas. Aprendió de sus coetáneos y les dio voz, lo que demuestra un innato interés por la cultura junto a un carácter altruista. En mi opinión, fueron estos primeros años los que elevaron su carrera hasta el punto de compartir exposiciones con figuras de renombre como Marcel Duchamp, Joseph Beuys o Andy Warhol.

Incluso tras su paso por el mundo de la fotografía, la música y su gran éxito en el mundo del arte, Bauermeister nos demuestra que nunca debemos pararnos en nuestra carrera artística y decide transcender todos los medios artísticos que había conocido hasta el momento y tras más de 20 años de carrera a sus espaldas decide implicarse en la creación de jardines meditativos, una nueva disciplina donde también lograría grandes resultados.

Mary Bauesmeister es un ejemplo a seguir. Una artista que se cree y se crea a sí misma, que valora su potencial y que hasta el día de hoy trata de superarse a sí misma a través de su arte y su curiosa visión del mundo.
I'm late, I'm late, for a very important date

Beep, beep, beep! The alarm rings
in the morning. I roll in bed and hit
the snooze button — just five
more minutes.

Beep, beep, beep! I do it again —
just five more minutes.

Beep, beep, beeeeeeeeep! I open
my eyes, look at the clock. I'M LATE!

We live in a world where every second counts with complex schedules, meetings, appointments set at precise dates and times, and we seem to always be running behind. That is why a few months ago, I felt struck by a phrase I encountered myself with that declared: "time is the most precious thing we have so we should enjoy everything we do and stop chasing every minute."

I stopped swiping my Instagram and reflected on the phrase. When did I forget such a simple statement? Why do I feel the need to daydream about moving somewhere else where I do not need to look at the time all day long instead of living my life that way?

I decided to follow the trace of the phrase. I read the small text that accompanied the image, clicked on a link, then on a profile image, and I found it. It read "Slow watch." It was the first time I was aware of the brand.

Slow watch is not only a label, but it is also a statement, a new perspective, a mindset that most of us somehow lost. What could be a stronger selling point than offering your customers a new approach to life?

The Slow watch does not look that different from a usual watch or at least not at first sight. It is round, and it goes on your wrist. The key to it is its hands or the lack of them. It only has one hand that goes around once every 24 hours. It does not show the exact second you are in, not even the minute, it just gives you a moment, a reminder to live stress-free.

This young and vibrant company follows today's shopping trends and reaches its customers via online platforms with no physical stores. Their owned and shared media, web page, blog, Youtube, Facebook, Pinterest, Twitter, and Instagram are a reflection of the ideas and aesthetics of the brand. These are complemented with paid media channels such as Google Ads, and the products' appearance in printed catalogues.

Suppose you still thought you could resist the brand. In that case, you will find yourself surrounded by a huge coverage from GQ, The Times, Esquire, Cosmopolitan, and Architectural Digest, among many other earned media platforms.

As you might guess, in the end, I could not stop myself from buying a slow watch and changing it for my everyday one. And even though I keep running after zoom meetings, I still feel the day is not long enough, and I snooze my alarm every morning, now, every time I look at my watch, I remember to breathe, relax, and enjoy.
You can be whatever you want to be
When we are little adults tell us that "we can be whatever we want", that "we can achieve everything we put our minds into". And we truly, deeply believe it.

As we grow, we begin to watch the world around us. Advertisements of white girls, white boys, skinny actors, perfect happy people, and we compare ourselves to them. We watch the news showcasing racial injustice, abuse to minorities, inequality of sexes, judgment, and we compare ourselves to them. Little by little, we begin to raise insecurities, to feel and believe we are not enough.

Now, as adults, we tell children they can be whatever they want and achieve whatever they put their minds into. And you know what? We have the power to show them that it is true.

So, let's make a change. Right now we are doing fine, but we can be great, we can inspire.

In a world where trends turn into necessities, let's make necessity a trend.

We only need to change 30% of our content, of our beliefs to create change. And it has been repeatedly shown that ethnically diverse companies perform 33% better than the norm and Forbe's best workplaces for diversity enjoy 24% higher revenue growth.
We the Urban

This is not an established publication, but maybe it should be.

WE THE URBAN exists to enlighten, inspire, and empower today and tomorrow's cultural pacesetters through galvanizing, forward-thinking visuals and fearless storytelling.

After our 2009 inception, WE THE URBAN quickly garnered worldwide press as the number one media outlet on the world's top micro-blogging platform (Tumblr) by one of the world's youngest editors, Willie Greene.

This bi-weekly digital cover stories aims to capture and shine a light on multicultural vanguard creatives who push boundaries in fashion, art, music, and various other respective creative fields.


Currently, we can find We the Urban on their website, Instagram, Facebook, Twitter, and Tumblr accounts, in which they post content related to culture, arts, and empowerment.

But, how should they move forward?

In a media where so many platforms exist, each one of them with different audiences and looks, which would be the best path to follow to be able to engage with each and every one of them?

Given that We the Urban already generates content twice each week, let's create a social media plan and takes it as an advantage. With each week's generated content the platform will be able to generate redefined content for each one of their future platforms without losing their tone nor their money and time.

The social media plan for per new story will be as follows:

1. Research and creation of the piece following the already step-by-step model.

2. Upload the content to their current platforms the same as they have until now.

3. Let's engage with a broader audience!



Given the empowering nature of the platform, each time a new story comes up they will create a short TikTok video with the protagonists of the story.

They will say two things that empower them and two things they have overcome in relation to the matter at hand and will encourage people to do the same in their own videos.

They will use the hashtags #weempower, #weovercome



Taking advantage of the interviews they already do for their stories they will create "How to" videos of them where they speak about:

- Why they have chosen the subject matter
- Who have they contacted
- How have they been able to talk to them
- A brief video of the interview
- Final thoughts after their research

This is a really informative way to engage with their audience and help them understand their train of thought and creation.



Using their current time and resources in the best multiple ways, they will generate a podcast version of their Youtube video.

This way they will not need many more resources and, at the same time, they will be able to interact with a different public that may be driving or cooking while engaging with their content.



This will be the icing on the cake.

In addition to all the content generated for the other platforms, the newsletter will be sent directly to the inbox of those more interested in their stories with exclusive insights into the story.